La lírica del amor. El petrarquismo. Orígenes: la poesía trovadoresca y el Dolce Stil Nuovo. La innovación del Cancionero de Petrarca
Junto a una lírica popular, anónima y transmitida oralmente, se desarrolló durante la Edad Media una lírica culta que tendrá su máximo exponente en la poesía provenzal o trovadoresca.
A comienzos del siglo XII aparece en el sur de Francia la primera escuela de lírica culta en una lengua romántica: el provenzal.
A comienzos del siglo XII aparece en el sur de Francia la primera escuela de lírica culta en una lengua romántica: el provenzal.
Estas nuevas composiciones presentan novedades:
- Son obras de autores conocidos, llamados trovadores que componen los poemas y los difunden acompañados de música.
- El público de los trovadores era la aristocracia refinada.Les interesa la temática amorosa.
- Surge una nueva concepción del amor desarrollada por los trovadores, el amor cortés. El señor es la dama, noble y casada, a la que el poeta, obediente vasallo enteramente a su servicio, ama apasionadamente en secreto. Este amor imposible hace sufrir al enamorado, pero también lo perfecciona.
- El lenguaje que aparece es una adaptación a la lírica del lenguaje técnico del mundo medieval.
Trovadores podían adoptar uno de los dos estilos:
• Estilo trobar leu: consistía en una actitud poética de expresión fácil y de clara compresión, aunque alejada siempre de la repetición y la vulgaridad.
• Estilo trobar clus: consistía en una actitud hermética, con enigmas y mezcla de significados estilísticos y morales.
A mediados del s. XIII aparece la primera escuela poética culta en lengua vulgar italiana:
Esta escuela se extenderá con gran éxito por el resto de la península italiana en un ambiente urbano y universitario, en donde surgió la renovación poética del Dolce stil novo.
El sentido del término, según su creador, Dante, se explica mediante un léxico capaz de expresar la idealización, la alabanza, la melancolía, el dolor, el sentido de la muerte…
Los poetas que pertenecen a este estilo entienden la poesía como el resultado de un impulso del corazón, que provoca el nacimiento, que provoca el nacimiento de las palabras adecuadas sin necesidad de mayores esfuerzos.
El amor, tal y como se entiende en el Dolce stil novo, supera los límites del amor cortés, para convertirse en una virtud que se identifica con la nobleza de espíritu a la vez que la dama y la belleza son hitos necesarios en el camino de perfección que lleva a Dios y a la felicidad eterna.
Una de las aportaciones fundamentales de los stilnovistas es la fijación del tópico de la donna angelicata (mujer angelical). Con su breve presencia, ya que muere joven y vuelve al cielo, de donde procede, dignifica la vida del poeta, quedando fijada en su juventud y belleza para siempre.
La poesía del Dolce stil novo es una poesía de alabanza a la dama. Hay que añadir el tema de la introspección psicológica. Todo esto está expresado con una lengua refinada y en formas métricas de estructura más o menos fija.
Estos elementos pasan a la poesía posterior, llegando a Petrarca a mediados del siglo XIV.
Francesco Petrarca es un poeta del s. XIV cuyo reconocimiento le vino por su labor como estudioso de la literatura clásica, aunque pronto fue su poesía lírica en romance: Canzoniere o Rime sparse, conjunto de 366 poemas que más tarde serán admirados e imitados por poetas posteriores, que recibe el nombre de petrarquismo.
El Canzoniere es un libro que recoge la historia amorosa autobiográfica del propio autor donde recuerda su amor a una única mujer, que tras su muerte, es salvada del olvido.
El libro se abre con un soneto inicial que sirve de introducción y se divide en dos partes: in vita e in morte de Laura.
Rompe el silencio cortés, ofreciendo los rasgos esenciales e idealizados de la dama que ahora es de carne y hueso, (no es la donna angelicata) aunque idealizada.
Aparece descripciones de la amada usando el tópico de la descripción metafórica (cabellos = oro/ dientes = perlas…)
Utiliza la mitología como motivo literario o como símbolos de las fuerzas de la naturaleza, reflejándose el propio poeta en los mitos.
El amor es neoplatónico produciendo melancolía y tristeza.
El verdadero tema es el análisis hondo de las pasiones del escritor.
La lengua es bella, huye de la artificialidad, buscando la naturalidad trabajada.
Es abundante el uso de antítesis para expresar las contradicciones del amor.
Se usa el verso endecasílabo, las estrofas son cuartetos y tercetos, los poemas son sonetos, canciones… y los géneros son la égloga, la epístola y la sátira.
Petrarca influyó a autores como Boccaccio y fue considerado como el primer autor humanista.
Montaigne y el nacimiento del ensayo
Michel de Montaigne fue un filósofo, escritor, humanista, moralista y político francés del Renacimiento. Pertenecía a una clase social alta, estaba familiarizado con el latín y el griego. Estudió derecho y ejerció cargos políticos pero se retiró para escribir sus ensayos. Se le atribuye la creación de este género literario.
Los ensayos son un conjunto de temas breves sobre temas diversos redactados en primera persona donde se mezcla la reflexión y la creación. Suelen alternar la exposición y la argumentación y terminan con una tesis.
Con este género Montaigne pretendía desvelar su yo más íntimo en su esencial desnudez. Sus ensayos reflejan un hombre sincero e inteligente que aspira a un equilibrio moral y al dominio de sí mismo.
La prosa humanista y sus autores constituyen el antecedente del ensayo.
Rechazaba la violencia y los conflictos sociales entre católicos y protestantes. (Mientras Montaigne escribía sus ensayos, Francia se encontraba sumida en las guerras de religión que enfrentaba a católicos y protestantes.)
Montaigne cultivó el relativismo cultural.
Sus escritos se caracterizan por un pesimismo y escepticismo.
• El escepticismo consiste en el estudio en profundidad del comportamiento humano a lo largo de la historia para comprender las grandes contradicciones del ser humano, por lo que la única postura posible es la duda.
Con este género Montaigne pretendía desvelar su yo más íntimo en su esencial desnudez. Sus ensayos reflejan un hombre sincero e inteligente que aspira a un equilibrio moral y al dominio de sí mismo.
La prosa humanista y sus autores constituyen el antecedente del ensayo.
Rechazaba la violencia y los conflictos sociales entre católicos y protestantes. (Mientras Montaigne escribía sus ensayos, Francia se encontraba sumida en las guerras de religión que enfrentaba a católicos y protestantes.)
Montaigne cultivó el relativismo cultural.
Sus escritos se caracterizan por un pesimismo y escepticismo.
• El escepticismo consiste en el estudio en profundidad del comportamiento humano a lo largo de la historia para comprender las grandes contradicciones del ser humano, por lo que la única postura posible es la duda.
Teatro clásico europeo. El teatro isabelino en Inglaterra. Shakespeare y su influencia en el teatro universal. El teatro clásico francés
Tras la caída del Imperio Romano en Occidente se produjo un olvido general del teatro clásico, pero no despareció del todo.
El teatro pasa a manifestaciones de teatro popular y a formas de teatro culto.
En Inglaterra y España el teatro popular es dignificado por Lope y Shakespeare.
En Italia se cultiva la comedia de enredo destacando a Ariosto y Maquiavelo como creadores del teatro culto italiano. La gran aportación italiana al teatro es la commedia dell´arte, de gran influencia sobre Moliere.
- EL TEATRO INGLÉS
En la segunda mitad del siglo XVI, Inglaterra experimenta bajo Isabel I un momento de gran auge que se refleja también en el campo de las letras y las artes: es la época isabelina.
Hubo una época en la que las compañías de teatro eran ambulantes pero a partir de 1567 el teatro se hace institución permanente, en edificios construidos exclusivamente para el teatro. Imitaban la forma poligonal de las posadas, los espectadores estaban de pie en el patio y la acción podía tener lugar en dos niveles. En lo más alto estaban los músicos.
El público era heterogéneo y exigía emoción y diversión lo que hacía del teatro un hecho comercial.
Los actores eran exclusivamente hombres. características:
- Es un teatro vivo y popular.
- No respeta las tres unidades
- No hay separación de géneros
- Importancia de la figura del “clown”
- Mezcla prosa y verso. El verso más usado será el libre (“blank verse”)
- Se mezcla los estilos y lenguajes ( según categoría social de los personajes)
El teatro pasa a manifestaciones de teatro popular y a formas de teatro culto.
En Inglaterra y España el teatro popular es dignificado por Lope y Shakespeare.
En Italia se cultiva la comedia de enredo destacando a Ariosto y Maquiavelo como creadores del teatro culto italiano. La gran aportación italiana al teatro es la commedia dell´arte, de gran influencia sobre Moliere.
- EL TEATRO INGLÉS
En la segunda mitad del siglo XVI, Inglaterra experimenta bajo Isabel I un momento de gran auge que se refleja también en el campo de las letras y las artes: es la época isabelina.
Hubo una época en la que las compañías de teatro eran ambulantes pero a partir de 1567 el teatro se hace institución permanente, en edificios construidos exclusivamente para el teatro. Imitaban la forma poligonal de las posadas, los espectadores estaban de pie en el patio y la acción podía tener lugar en dos niveles. En lo más alto estaban los músicos.
El público era heterogéneo y exigía emoción y diversión lo que hacía del teatro un hecho comercial.
Los actores eran exclusivamente hombres. características:
- Es un teatro vivo y popular.
- No respeta las tres unidades
- No hay separación de géneros
- Importancia de la figura del “clown”
- Mezcla prosa y verso. El verso más usado será el libre (“blank verse”)
- Se mezcla los estilos y lenguajes ( según categoría social de los personajes)
Géneros
- La comedia: fuerte influencia italiana
- La tragedia: busca provocar los sentimientos del público.
- El teatro histórico: poco enredo argumental. Se refiere al sentimiento patriótico dela Inglaterra ascendente en el mundo.
En 1642 el Parlamento inglés decreta el cierre de los teatros. Se da un proceso de decadencia de la tragedia inglesa.
Desde 1660 el teatro recobra plena vigencia; pero es ya un teatro barroco.
Shakespeare es el autor más importante ya que fue el Creador del teatro nacional en Inglaterra. Fue actor, autor, empresario, hombre de teatro…
En sus obras se ve su refinamiento y virtuosismo técnico.
Utiliza un prefecto encadenamiento de las acciones, que conducen hacia el fin dramático.
Utilización del destino en algunas obras: Hamlet/ Romeo y Julieta
Variedad de registros en los diálogos: lenguaje familiar, vulgar, filosófico, lírico…
Utilización de juegos de palabras y de reflexión sobre el propio lenguaje y su poder para encerrar la realidad del mundo.
Distanciamiento de sus personajes, utilizando el juego del “teatro dentro del teatro”
- EL TEATRO FRANCÉS DEL “ GRAN SIÉCLE”
El Parlamento Francés prohibió los géneros medievales religiosos en 1548.
En ese tiempo se instalan en París los comediantes italianos. A la vez se extiende un interés por el teatro clásico.
A partir de finales del siglo XVI hay varios teatros fijos en París junto a los teatros reales de los palacios del rey.
Mismas características que el teatro inglés y español.
De 1636 a 1699 se desarrolla el “teatro clásico francés”.
Características:
- Empleo casi exclusivo del verso alejandrino.
- Respeto de las tres unidades.
- Separación de la tragedia y comedia.
- Obras constan de 5 actos.
- Se rechaza el exceso dramático.
Causas:
- No surge ningún autor francés que consiga una fórmula dramática popular de éxito.
- La protección real sobre el teatro impone gustos clásicos.
- Público se acerca a las representaciones cortesanas.
- Importante papel dela Academia francesa, que impone el gusto clásico.
- La comedia: fuerte influencia italiana
- La tragedia: busca provocar los sentimientos del público.
- El teatro histórico: poco enredo argumental. Se refiere al sentimiento patriótico de
En 1642 el Parlamento inglés decreta el cierre de los teatros. Se da un proceso de decadencia de la tragedia inglesa.
Desde 1660 el teatro recobra plena vigencia; pero es ya un teatro barroco.
Shakespeare es el autor más importante ya que fue el Creador del teatro nacional en Inglaterra. Fue actor, autor, empresario, hombre de teatro…
En sus obras se ve su refinamiento y virtuosismo técnico.
Utiliza un prefecto encadenamiento de las acciones, que conducen hacia el fin dramático.
Utilización del destino en algunas obras: Hamlet/ Romeo y Julieta
Variedad de registros en los diálogos: lenguaje familiar, vulgar, filosófico, lírico…
Utilización de juegos de palabras y de reflexión sobre el propio lenguaje y su poder para encerrar la realidad del mundo.
Distanciamiento de sus personajes, utilizando el juego del “teatro dentro del teatro”
- EL TEATRO FRANCÉS DEL “ GRAN SIÉCLE”
El Parlamento Francés prohibió los géneros medievales religiosos en 1548.
En ese tiempo se instalan en París los comediantes italianos. A la vez se extiende un interés por el teatro clásico.
A partir de finales del siglo XVI hay varios teatros fijos en París junto a los teatros reales de los palacios del rey.
Mismas características que el teatro inglés y español.
De 1636 a 1699 se desarrolla el “teatro clásico francés”.
Características:
- Empleo casi exclusivo del verso alejandrino.
- Respeto de las tres unidades.
- Separación de la tragedia y comedia.
- Obras constan de 5 actos.
- Se rechaza el exceso dramático.
Causas:
- No surge ningún autor francés que consiga una fórmula dramática popular de éxito.
- La protección real sobre el teatro impone gustos clásicos.
- Público se acerca a las representaciones cortesanas.
- Importante papel de
